Por qué Anne Imhof, la reina del hardcore, vende productos

Anne Imhof se reclina sobre cojines en el espacioso estudio de su casa en Kreuzberg, Berlín, mientras me mira a través del éter. Hay guitarras apoyadas contra la pared y un experimento artístico en progreso en la gran mesa en el medio de la habitación. El ambiente relajado, casi doméstico, es una sorpresa. Tal vez sea la luz del sol que entra a raudales por los enormes ventanales.

La reputación de Imhof por su arte escénico tiene sus raíces en piezas oscuras e inquietantes. Con su tamaño, ruido, enormes elencos y la increíble tensión que crean, sin mencionar su duración, son operísticos en su intensidad, como un Götterdämmerung del siglo XXI.

Imhof no es partidario de la comparación con Wagner, pero el concepto del compositor de Gesamtkunstwerk, la obra de arte total que utiliza muchos medios, toca la escala de sus ambiciones. Para Imhof el tamaño siempre ha sido importante. En 2016 ganó un premio de la Galería Nacional de Berlín. “Se podía elegir un espacio y yo quería el espacio grande que estaba en el vestíbulo de entrada de una antigua estación de tren. No estaba tan seguro de poder manejarlo, pero quería demostrarme a mí mismo que podía crear algo grande”. Imhof señaló su intención etiquetando la pieza como “ópera”. Su título real era Angst. Ella creó la banda sonora y eligió a viejos amigos, compañeros de estudios de la escuela de arte y un puñado de bailarines que habían dejado recientemente el Ballet Frankfurt, donde habían estado trabajando con el genio coreográfico William Forsythe.

Eliza Douglas en Angst II de Anne Imhof, Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Aktuell – Berlín, 2016. (Fotografía de Nadine Fraczkowski. Cortesía de la artista; y Galerie Buchholz)

La angustia resultó ser el prototipo de todo lo que vino después. Ella cree que pudo hacer "algo grande" porque "era una especie de superpoder tener esta relación e intimidad extremas" entre los artistas. Parecían “reales”, como un grupo de personas que pasaban el rato haciendo cosas que podrían hacer en sus propias vidas. "Había situaciones en las que quería estar y no quería que terminaran".

La pieza también fue significativa porque marcó la primera vez que ella y Eliza Douglas, su nueva pareja en ese momento, colaboraron en el vestuario, procedente de la colección de camisetas de bandas de metal de Douglas. Imhof se describe a sí misma como una nerd adolescente. "Ni siquiera supe realmente sobre el punk rock hasta los 21 años". (Ahora tiene 45 años). Vivía en una casa ocupada en Frankfurt cuando un amigo le enseñó a tocar la guitarra y le presentó a riot grrrl. Otro amigo la llevó al hardcore americano, música que había echado de menos mientras crecía en un pequeño pueblo de Alemania. Luego conoció a Douglas, una revelación, que había estado en esa escena en Nueva York. Unos amigos le habían hablado a Imhof de "este nuevo americano atractivo" que estaba en la escuela en la que ella acababa de graduarse. “Dijeron: 'Oh, tienes que conocerla, la amarás', y ese fue el caso. Nos alineamos muy bien porque de alguna manera sabíamos las mismas cosas pero desde una perspectiva totalmente diferente”.

Imhof hizo su siguiente pieza, Fausto, para el Pabellón Alemán en la 57ª Bienal de Venecia en 2017. “Quería que tratara sobre vanitas, así que buscábamos camisetas con calaveras. Eliza tenía estas camisetas de metal con una escritura en la espalda que se integraba perfectamente. Ella y yo creamos este tipo de sistema de referencia que fue increíblemente enriquecedor para nosotros. Entonces no era realmente un disfraz. Quería que las personas que lo usaran se sintieran bien, así que siempre dependía de ellos decidir con nosotros qué usarían. Y trajeron sus propias cosas”.

Fausto fue la primera vez que Imhof fabricó productos reales para un espectáculo. "Había una serigrafía en el estudio, y comenzamos a imprimir camisetas de Fausto en el piso, y luego hicimos chaquetas bomber y lucían geniales, así que imprimimos Fausto en los trajes deportivos que usaban las personas en la actuación", dice. . “Y después de eso, hicimos camisetas para cada programa, con el nombre del programa. Fue Eliza la que presionó para lograrlo”.

Josh Johnson en SEX de Anne Imhof, Tate Modern, Londres, 2019. (Fotografía de Nadine Fraczkowski. Cortesía de la artista; y Galerie Buchholz)

Pero EMO, su exposición más reciente, en la Galería Sprüth Magers de Los Ángeles, es algo nuevo para Imhof. A partir del 6 de julio, la mercancía del programa (sudaderas con capucha, camisetas, chaquetas bomber y gorras) estuvo disponible para su compra en Dover Street Market. “A veces no se piensa en estas cosas de manera tan específica como un plan o una estrategia”, dice Imhof. “Simplemente suceden. No era un plan que la mercancía que hice para el show de EMO se convirtiera en una colección. Como si Dover Street Market no fuera algo a lo que apuntara. Aún así, también era un lugar al que iba para inspirarme y buscar cosas aunque no pudiera pagarlas”.

La línea EMO es una colaboración con Mumi Haiati de Reference Studios y el ex director de moda de 032c, Marc Goehring. No hubo elementos en vivo en la exhibición EMO, por lo que los artistas de Imhof no usaron la mercancía. En cambio, las imágenes que adornan las piezas se derivaron de las imágenes de la muestra: el dedo medio levantado, esquelético; el payaso satánico; la tortuga con el vaporizador montado en su caparazón, un eco de Rage, una de sus primeras piezas, en la que los intérpretes fumaban vaporizadores que arrancaban del lomo de las tortugas que deambulaban. “Era muy lenta esa pieza”, recuerda Imhof con ironía. Aun así, las tortugas se mantuvieron como favoritas en una carrera en la que ha elegido dóbermans y halcones.

La colección EMO de Anne Imhof. (Fotografiado y modelado por: Hannah Rettl, Levi Strasser, Jakob Eilinghoff, Casper von Bülow)

Las letras EMO estampadas en la colección son algo que Imhof garabateó un día; Luego decidió que quería pintar con él. "Estoy muy interesada en las superficies en la forma en que pinto", dice. “Una camiseta también es una superficie sobre la que puedes ponerte cosas y, de alguna manera, ambas funcionaban muy bien juntas. Lo que pongo en un cuadro es lo que pongo en una camiseta. Me gusta sacrificar mi preciosa práctica artística. Plantea la pregunta: "¿Eso es devaluar algo?" Realmente no pongo nada alto o bajo. Simplemente se siente más o menos lo mismo. Se trata de que la gente lo vea de una manera u otra y construya una relación con ello”.

El hecho de que esté pensando en vender ropa en un templo del comercio minorista como Dover Street Market plantea cuestiones interesantes para Imhof. Ella insiste, por ejemplo, en que lo que le encanta de sus presentaciones en vivo es que no hay nada físico para llevar. “Nada que puedas poseer. Incluso la fotografía que haces ahora es más bien una prueba de que has estado allí”. Pero esas fotos existen en Instagram y ganan peso a medida que más y más personas fotografían lo mismo. "Se vuelve icónico porque la gente quiere ser parte de ese momento tan colectivo", dice Imhof. “Y eso es algo que creo que es muy relevante para la idea de moda. Creas un lenguaje de unión con palabras o imágenes o con lo que vistes, y luego se convierte en un mundo, o un universo, de alguna manera, y te mueves dentro de eso. Y eso es un poco como el momento en vivo, porque allí todo puede suceder”.

La colección EMO de Anne Imhof. (Fotografiado y modelado por: Hannah Rettl, Levi Strasser, Jakob Eilinghoff, Casper von Bülow)

Imhof habla de “la extraña presencia de la historia” en Berlín: estratificada y pesada. Ella está de acuerdo en que hay una fascinación por lo autoritario en su trabajo, junto con una fuerte sensación de aislamiento. “Tengo que lidiar con una especie de 'desgarramiento' interno hacia el país en el que vivo y su historia. Incluso diciendo de dónde vengo, hay un "desgarro" en mi interior y no estoy orgulloso. Y cuando creces, como lo hice yo, en un pueblo pequeño como una persona queer, eso conlleva una cierta soledad, y luego mi forma de ser artista y, tan temprano en mi carrera, hacer el Pabellón Alemán en la Bienal de Venecia. , tener este pabellón nacional –que es un edificio fascista– como espacio de exposición y tener que lidiar con él donde casi no puedes decir el nombre de tu país sin un cierto escalofrío. Ya sabes, fue todo un Auseinandersetzung, algo muy difícil de afrontar”.

Los gigantes del arte alemán contemporáneo, como Gerhard Richter, Anselm Kiefer y Georg Baselitz, se enfrentan, por supuesto, a este desafío desde hace décadas. "Es bastante difícil no dejarse impresionar por ellos, porque hay una generación de profesores que te confrontan con ellos", dice Imhof. “Y eso es con lo que tienes que lidiar tanto como con la historia de tu país. Y Richter es prácticamente el ícono artístico de esta generación. Me parece sorprendente cómo siempre está navegando entre lo personal y lo universal, anteponiendo la abstracción a la figuración. Pero él también fue la figura que de alguna manera tuve que superar cuando era un joven artista que hacía el pabellón alemán por mi cuenta”. En 2017, cuando Imhof ganó el León de Oro de la Bienal a la “Mejor participación nacional” con Fausto, no hubo felicitaciones por parte de los pesos pesados ​​del mundo del arte alemán. Ella se ríe. "Tal vez tenían miedo de perder algo".

Eliza Douglas en Fausto de Anne Imhof en el Pabellón Alemán de la Bienal de Venecia 2017. (Fotografía de Nadine Fraczkowski. Cortesía de la artista; Galerie Buchholz; y Pabellón Alemán 2017)

La interacción de dominio y sumisión que está físicamente presente en todo lo que hace Imhof podría aplicarse fácilmente a la industria de la moda. "Me interesan las imágenes de poder", dice. “La idea de quién es el que lidera y quién el que sigue, quién es el que es mirado y quién es el que mira”. Durante sus espectáculos, dirige a sus artistas a través de sus teléfonos móviles, casi como pintar con personas o como un híbrido de arte y realización de películas. “Sin duda, se trata de creación de imágenes”, coincide. Obviamente, hay aleatoriedad en este enfoque. “Surge casi por sí solo y entonces puedo ver si algo está bien o mal. Es importante que exista el aspecto de un error o accidente o algo imprevisto y que dejes espacio para ello. Y llega el momento en el que quieres controlar las cosas, porque entonces estás a salvo. Pero cuando no estás seguro, ese es el momento en el que algo realmente puede suceder y en el que puedes ser bueno. Tienes que atreverte a hacer eso. Es hacer las cosas de una manera que se vuelven tan peligrosas y contundentes para mí que no puedo evitar hacer lo correcto o ir a lugares profundos, oscuros y desconocidos. Y ahí es donde reside lo nuevo”.

Sihana Shalaj, Jakob Eilinghoff, Kelvin Kilonzo y Sacha Eusebe en Natures Mortes de Anne Imhof en el Palacio de Tokio, París, 2021. (Fotografía de Nadine Fraczkowski. Cortesía de la artista; Galerie Buchholz; Sprüth Magers; y Palacio de Tokio)

Cualquiera que haya vivido una pieza de Imhof en directo sabrá de lo que habla. Los gritos, la brutalidad, la apatía –“expresionismo zombi”, lo llamó un crítico, encarnado por los jóvenes magullados y ensangrentados en las tomas promocionales de EMO– generan una tensión inquietante en la audiencia. Pero cuando su lugar seguro es ese, cuando ella misma admite que es algo inmune a la naturaleza perturbadora de su propio trabajo, ¿qué podría impulsarla hacia lo desconocido? ¿Es la moda una candidata probable? “Ahora pienso más a menudo en cosas pop”, dice. “Quiero ir allí porque no estoy en eso. Se trata más de accesibilidad. Mis camisetas están colgadas en Dover Street Market. Los verá gente que nunca ha oído hablar de mi trabajo porque no están en el mundo del arte. Me parece interesante saber dónde puede llegar algo cuando se le da acceso de una manera diferente”.

No le preocupa en absoluto que el mundo de la moda vea su marca como otra encarnación del merchandising de heavy metal, con sus letras góticas impactadas por un rayo, que ya es una característica en Dover Street Market. Afirma que admira a los diseñadores de moda por su resiliencia. “Como Rick [Owens] y Michèle [Lamy]. Parece casi estoico cómo lo están haciendo. Y Virgil [Abloh] era muy querido para mí, cargaba mucho y también era descuidado, y había una mezcla perfecta de las dos cosas. Puso mucho pop en la moda de una manera diferente. Era algo más que pedirle a las estrellas del pop que posaran para ti”.

Demna ha estado en el mundo de Imhof desde que Eliza Douglas abrió su primer desfile para Balenciaga, en 2016, cuando Imhof estaba haciendo Angst. "Había admiración y amistad, pero no hablamos mucho sobre moda". Un punto de referencia obvio para su proyecto de Dover Street es el artista de Los Ángeles Sterling Ruby y su marca de moda SR Studio LA, entre otras cosas porque también está representado por Sprüth Magers. “He visto sus cosas”, dice Imhof. “Hubo una ola de artistas que hacían acercamientos reales a la moda, con desfiles y líneas de moda. No como Susan Cianciola que lo hizo en la otra dirección, sino que el arte se pone de moda. Creo que es más un coqueteo. Realmente me gusta pensar en la moda, verla, usarla, pero no quiero afirmar que podría hacer una línea de moda. Eso es otra cosa. Hago merchandising para mis espectáculos”.

“Pero está bien dar un paso fuera del mundo del arte de vez en cuando”, reconoce. “Puedo tomar más decisiones. ¿Qué debo hacer? ¿Por qué lo hago? ¿Cómo involucro a mi audiencia? En eso estoy trabajando”. Y sí, Imhof considera que su producto es uno de esos pasos. Cuando regresa al mundo del arte, su próximo gran proyecto implica un avatar. Ya estoy al límite.